篇一：国画论文
中国画论文：浅析中国画的艺术特征
张静 （武警政治学院，上海200435）
摘要：中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。中国画的艺术特征主要体现在五个方面：一、以形写神，畅神达意；二、以线造型，笔精墨妙；三、以虚带实，虚实相生；四、以大观小，散点透视；五、诗书画印，综合艺术。通过认识中国画的艺术特征，可以更好地欣赏中国画，进而陶冶情操，提高修养。
关键词：中国画；艺术特征；写意；笔墨
中国绘画艺术历史悠久，源远流长。她植根于华夏文化沃土，跨越不同时空，历经不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，是世界艺术领域中的一朵奇葩，更是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。她所体现的艺术美蕴含昭示了深刻的人生道理及宇宙意义的最高境界。传统中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。当然，“五四”运动以后，西学东渐，近现代中国画借鉴了西方写实主义的观念和技法，力图中西合璧。而当代的中国画更是不断创新，形式多样。但万变不离其宗，中国画的主要特征依然不变。笔者将中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一与第二个方面尤为典型和重要。
一、以形写神。畅神达意
“形”指外在的形象，“神”是内在的精神。中国画不满足于“形似”，而要求“神似”。早在大约一千多年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形写神”的原则。相传他画人物，数年不点睛，人问其故，答云：“四体妍媸，本无关于妙处；传神写照，正在阿堵中。”“阿堵”是六朝和唐代的常用语，相当于现代汉语的“这个”，在这里指“眼睛”。这句话指出，绘画的关键不在于对象的美与丑，而是重在“画龙点睛”，表达出人物的内心世界或精神意境，使其“含情而能达，会景而生心，体物而得神”。顾恺之的“传神论”奠定了中国画以形写神、重在传神的基础框架。
中国画坛先辈虽然很早就提出了“以形写神，形神兼备”的原则，但他们也很早就看到了“形似”并不一定“神似”，为了更好地传神，形的表现可以很灵活，可以夸张变形，甚至不求“形似”。例如宋代苏轼曾说“论画以形似，见与儿童邻”。元代倪瓒曾说“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”，现代国画大师齐白石的名言“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”也常被诸多画家奉为圭臬。画家们讲究“物外求似”、“意在笔先”、“缘物寄情”、“物我交融”，他们超越了对具体物象的描摹、再现，强调对事物“精神性”的把握和作者主观情怀的流露，总之一句话，中国画强调“写意”。
何谓写意？“意”，指意志、意识、情意、意趣、意境等，即画家的思想感情。“写”，就是表达和抒发。“写意”就是画家“寓情于景”，“缘物寄情”，“托物言志”，通过绘画来表达抒发自己的思想感情。作画是为了“写意”、“写性”、“写心”，状物乃是为了“寄情”。例如元代画家倪瓒的《六君子图》。
它表现的是江南秋色，近景坡陀上有六棵树，疏密掩映，直立挺拔，画的上部只有淡淡远山一抹。这六棵树分别是松、柏、樟、楠、槐、榆，都有其象征意义。黄公望题诗中指出：“居然相对六君子，正直特立无偏颇。”这也是此画叫做《六君子图》的原因。画家以枯而见润的笔墨，营造了湖光山色，荒寒空寂的意境，清淡的画面，既反映了画家看破沧桑、超然物外的思想情绪，又体现了他崇尚平淡天真的审美理想。写意既是中国画的一种表现风格，又是中国画总的艺术观念，它体现了中国画家的特殊审美取向。所以它也是中国画区别于其他外来画种的最基本特点。
中国画的写意性，体现在各种形式的绘画中，无论是简括疏放、水墨淋漓的写意画，或工整细致、层层渲染的工笔画，都有明显的写意性，其笔墨或写或工，只是技法形式的不同而已，其写意传神的艺术特征一致的。写意画可以“逸笔草草，不求形似”，可以放笔驰骋，直抒胸臆。而工笔画工致细腻，严谨周到，但同时也追求写意的韵味意趣。如北宋画家范宽《溪山行旅图》，画面既工整细腻，又开放有度，既是工笔又是写意。该画层次丰富，墨色凝重，极富美感。扑面而来的悬崖峭壁占了整个画面的三分之二，细如弦丝的瀑布一泻千尺。整个画面气势逼人，使人感觉身临其境。山底下，是一条小路，一队商旅缓缓走进了人们的视野，给人一种动态的音乐感。马队铃声渐渐进入了画面，与山间潺潺溪水相应和。动中有静，静中有动。这就是诗情画意！我们从画面本身就能感受到画家本人的生活阅历、人生感悟及内心体验。范宽如果没有在终南山辋川一带的隐居生活，感悟自身，感悟自然，就不会有这经典的《溪山行旅图》问世。
二、以线造型，笔精墨妙
线是中国画的主要表现技法之一，更是中国画的基础。远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画。例如，湖南长沙楚墓出土的《人物龙凤》和《人物驭龙》帛画，是迄今发现的最早的独幅绘画实物。两幅帛画均以引领灵魂升天为主题，在丝帛材料上用毛笔勾线画成。这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。
其实，线并不在客观的物体中存在，而是画家们自己的主观想象。经过长期的发展，中国画的线独具艺术魅力，因为它是立体的、有生命的、有情的线。说它是立体的线，是由于中国画的线讲究浑圆厚实，笔力深沉，力透纸背。这种“圆”、“厚”的效果是从中国毛笔的特点和使用方法中产生出来的，主要通过“中锋行笔”获得。中锋行笔就是笔锋始终保持在行笔轨迹的中间运行，笔杆竖直下向。这样写出的线条是一个立体的圆柱形，中心是骨，四周是肉，外柔内劲，如“绵裹铁”。中国画的线是有生命的线。因为中国画的线条不僵硬，不呆板，讲究在起讫运转中一波三折，提按顿挫。画家把线的长短、粗细、曲直、刚柔、轻重、疾徐、浓淡、枯润加以巧妙的组合，形成了各种不同的节奏和旋律，赋予线条以生动的气韵。线有了气韵便有了生命，自然会灵动传神。中国画的线又是有情的线。因为在中国画中，线条的作用远远超出了塑造形体的要求，而成为表达作者的意念、思想、感情的手段,成为形、意、情的综合表述。既然线可以表达画家的思想感情，那么，每个画家的线条自然各有特点。比如：顾恺之的线如“春蚕吐丝”、联绵不断、悠缓自然；吴道子的线“势若风旋”，圆转飘逸，所
绘人物衣带宛若迎风飘举，被誉为“吴带当风”；陈老莲的线“高古奇骇”，变幻莫测，朴拙生动；吴昌硕的线“遒劲泼辣”，力透纸背，纵横恣肆。总之，线是中国造型艺术之魂，是中国画家赋予自然人化的生命中介。
如果说西画是体、面和色彩的交响，那么中国画就是点、线和水墨的协奏，中国画的表现手法就是以线为主的笔墨。画家通过笔墨技巧，表现艺术形象，传达思想感情。有无笔墨，是人们评价中国画优劣的一个重要标志。
中国画讲究“笔精墨妙”，用笔要求笔力深沉，力透纸背，讲究笔法、笔力和骨气。用墨主张以墨为主，以色为辅，讲究“墨分五色”。所谓“墨分五色”就是以水调节墨色多层次的浓淡干湿，焦、浓、重、淡、清的墨色变化是十分丰富的，这些丰富的变化，虽然不是五彩缤纷，却可以产生一种极为典雅稳重的色彩效果。笔墨的表现形式是千变万化、万般风貌的。描绘对象不同，笔墨的表现形式也不同。其实用笔和用墨是一种技巧的两个方面，一笔下去，既有笔也有墨，墨由笔出，笔由墨现，笔为骨骼，墨为血肉，笔法和墨气混然天成。
需要说明的一点是：中国画主张以墨为主，以色为辅，但并非不重视色彩。中国画古称“丹青”。在唐代以前，色彩的运用得到普遍的重视，画家的色彩意识十分强烈。唐宋时期的工笔重彩画，更体现了极高的色彩技巧，设色浓丽，艳而不俗。然而唐宋以后，尤其是元代，随着文人画的兴盛，水墨写意画渐渐跃居前列，成为主流，丹青色彩的运用受到了抑制。这也是为什么很多人一提中国画，首先想到的就是水墨画，甚至将水墨画作为了中国画代名词的原因。
三、以虚带实，虚实相生
中国画美学体系的形成和发展是与中国的哲学思想紧密联系并受其支配的，其中的“虚实”、“疏密”、“计白当黑”、“天人合一”等思想无不有着浓厚的道家色彩。老子日：“天下万物生于有，有生于无”。“有”即宇宙之实体，在中国画中就是实处、有笔墨处；“无”即宇宙之空间，在中国画中就是虚处，即空白处、笔墨清淡虚灵处。“虚”和“实”是一对既对立又统一的矛盾体，无虚就无所谓实，无实亦无所谓虚。清初画家笪重光在《画筌》中云：“空本难图，实景清而空景现。神无可绘，真境逼而神境生。??虚实相生，无画处皆成妙境。”在中国画中既要有实处，又要有虚处。画中的虚与实，相辅相成，互相依赖。要使虚处空灵，单从虚处去求，无异于缘木求鱼。老子讲“知其白，守其黑。”就是指要使虚处灵，应求实处工，着眼于空白之“虚”，必须立足于笔墨之“实”。要计白当黑，又要知白守黑，这就是中国古典哲学、传统画论中虚实结合的辩证原则。
自古以来，画家们常常在画面的构图上经营有方，注重虚实结合。画面有时层层渲染，密不透风；有时寥寥几笔，疏可走马，同时大片留白，给观众一种画有尽而意无穷的感觉。这种空白之美的意境增添了无限的神秘之感，使人不禁产生无尽的联想和审美愉悦。如南宋马远的《寒江独钓图》，画中只画一位老者荡一叶扁舟独自垂钓，寥寥几笔波纹，却让人感到烟波浩渺。画中大面积的空白，渲染出一种江面的空旷及寒意；萧条的气氛，更有力地衬托出渔翁凝神贯注于一
线的神气，令人不禁产生无穷的想象。马远在章法大胆取舍剪裁，善于描绘山之一角、水之一涯的局部，画面上留出大幅空白以突出景观，因此有“马一角”之称。再如他的作品《山径春行》，左下角画山间小径、树木人物，画面大面积留白。主体人物面向空白之处，使看画的人，眼光也会随之望入那一片虚空之中，发人
由此可见，“空白”是中国画艺术表达审美意境的重要组成部分。“天人合一”的宇宙观与“虚实相生”的美学思想是中国画的灵魂，没有了空白，中国画也就失去了神韵。
四、以大观小，散点透视
西方绘画采用的是焦点透视法，简单的说就是近大远小，极远处消失于一点。但中国画采用的是散点透视法。画家观察点不是固定在一个地方，也不受视域的限制，而是根据需要，移动着立足点进行观察，不同立足点上所看到的东西，都可组织进自己的画面上来，这种透视方法也叫“移动视点”。
中国山水画能够表现“咫尺千里”的辽阔境界，正是运用“以大观小”，散点透视的结果。何谓“以大观小”？北宋沈括在《梦溪笔谈》中写道：“大都山水之法，盖以大观小，如人观假山耳，若同真山之法，以下望上，只合见一重山，岂可重重悉见??”沈括生动地说明了山水画的散点透视，“以大观小，如人观假山”就是俯视鸟瞰，以高观下，山川之景尽收眼底，若同真山之法，再美之景也难成中国山水画。“以大观小，如人观假山”说明了山水画家处理空间的艺术手法，所说“假山”绝非指花园里的大假山，而是指放在案头以供观赏的山水盆景，盆景中以小石块垒起数座径不盈尺的山峰，再放置小亭等等，画家只要站着就可以尽收眼底，就像在空中俯视大地上的千岩万壑，画家全山在胸，方能妙笔生花。
由于采用“散点透视法”，中国画构图不受时空限制，同时由于中国画用纸尺寸制式的变化，特别是“长卷”的出现，使大量的“千里、万里”之景色，“曲折迂回”之境界，被表现出来，更是将“散点透视”诠释得淋漓尽致。
如北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。此画纵24.8厘米，横528.7厘米，反映的是北宋都城汴梁内外复杂丰富、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既能看到桥上的行人，又能看到桥下的船舶；既能看到近处的楼台亭阁，又能看到远处街道河港。再如北宋王希孟的《千里江山图》，此画纵51.5厘米，横1191.5厘米。作者以“咫尺有千里之趣”的表现手法和精密的笔法，描绘了大宋的锦绣河山。画面千山万壑争雄竞秀，江河交错，烟波浩淼，气势十分雄伟壮丽。这两幅画的作者均以“游观”的方式观察对象，一个画面有多个视点，强调“移步换景”，使画面具有如音乐般的节奏，这样的构图，具有照片永
远也达不到的效果。
五、诗书画印，综合艺术
诗书画印的结合，是中国画特有的艺术形式，她融多种艺术为一体，相互辉映，极大地增加了中国画在艺术性上的广度与深度，使中国画成为了一种综合艺术，这是西方绘画所没有的。
诗画合璧是中国传统绘画最重要的艺术美表现形式，主要有题诗于画和依诗作画两种。前者称作题画诗，后者叫做诗意画。在此主要谈题画诗。在中国画的空白处，往往由画家本人或他人题上一首诗。诗的内容或抒发作者情感，或谈论艺术观点，或咏叹画面意境。如清代方薰在《山静居画论》中写道：“高情逸思，画之不足，题以发之”。中国绘画史上留下了众多精妙的题画诗。例如元代王冕自题《墨梅》诗：“吾家洗砚池头树，朵朵花开淡墨痕，不要人夸颜色好，只留清气满乾坤。”充分表现了诗人一身正气，淡泊名利的品格。再如徐渭的自题《墨葡萄》，“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”徐渭一生非常坎坷，虽饱读诗书，才华横溢，但多次参加科举考试，没有一次成功。他这幅《墨葡萄》，正是用野葡萄来比喻自己的怀才不遇、抱负难酬。但如果没有这首诗，此画只不过是一幅气韵生动、笔墨酣畅的上乘花鸟画；题了此诗之后，艺术品位就更高了，成了文人画中的精品。诗与画的交融，使得中国画具有了一种审美统一性的文化内涵，真正达到“诗中有画，画中有诗”的艺术境界。诗中之“意”与画中之“境”的结合，使中国绘画不仅能满足感官的审美需求，更能体现内心的精神价值。
中国自古就有“书画同源”之说。中国的书法与绘画有许多相同的地方：所用的笔、墨、纸、砚完全相同；用笔方法也基本相同，并且可以把书法的笔法直接用到画上去，所以我们常说“中国画是写出来的”，可谓“书中有画”、“画中有书”。而且画家画完后还要题款、题诗，又还可将诗文的美妙内容，用书法艺术的形式表现到画面中，使诗、书、画三者之美极为巧妙地熔铸到一个画面中。
题好款后还要钤印。画面上的印章，也和题跋一样，成了中国画的组成部分。印章虽小，却集书法美，绘画美，刀法美于一身，内容有镌刻姓名、斋室、吉语、诗句、格言、自戒之词等。印章不仅可以增强画面的形式美感，而且能够运用篆刻的语言阐发画面的意境和画家的感受。在典雅素净的水墨画中盖上一枚红色的印章后，犹如“万绿从中一点红”，变得十分新鲜醒目。当然，盖章的时候也非常考究，要考虑整幅画的构图、色彩，要起到呼应、对比、配合的作用。
中国画将诗、书、画、印融为一体，可谓珠联璧合，相得益彰。而且在中国画史上，尤其是文人画兴起后，凡称得上“大师”的画家都精通诗、书、画、印，集画家、书法家、诗人、篆刻家于一身，比如：吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿等等。
中国画独具艺术特征，她所体现的艺术美蕴含，昭示了深刻的人生道理及宇宙意义的最高境界。加强国人对中国画的认识和理解，让人们更好地体会到画中
篇二：国画论文
论中国画气韵及欣赏
班级:11环艺2班 姓名:段绍飞 学号:171101057
我从小就喜欢画画，不过小时候家庭条件有限，没有受过正统的绘画学习，平时就在作业本上临摹一下书本上的图画，当时对国画更没有什么认知与了解，五年级的时候学校举行了绘画比赛，我也想参加，但是不知道画什么好，后来无意间看到了家里的一块老镜子，我的灵感就来了，那块镜子与众不同的是上面印着一支梅花，从技法表现看应该属于国画范畴的，不过当时我并不知道什么是国画，但是它给了我灵感，我也想画一支梅花，觉得黑枝的穿插与红花交相争艳很有美感，我也想画一支梅花，于是我用小盒的水彩笔画出了我心目中的美，在五十张画中脱颖而出，夺得了我的第一个绘画第一名。这算是我对于国画的一个懵懂的接触。
上初中了，也是机缘巧合我的班主任尽是一名美术老师，而且最擅长国画，而我对于画画还是那么的痴迷，所以我最期待的美术课，第一节课老师示范了写意山水，我觉得很大气很有味道，这是我第一次接触真正的国画，对于国画的兴趣，我课下经常练习，不懂的追问老师，兴趣加努力，我终于有所进步，初一到初三囊括了每一次艺术节的第一，从而对国画进一步的了解了，上高中了，参加了课外美术培训班，学习了素描，才知道什么是透视什么是黑白灰、虚实关系，从而认识到自己以前画的国画都没有一点儿素描关系、透视关系，只是表面的水墨，大学里之所以没有选择国画专业的原因是自己对理想的追求，理想是当画家，但是画家也是需要经济来维持的，所以我想着用设计来养着艺术，物质社会很现实的。不过大三选修我毅然选择了国画，因为那是我追求多年的艺术方式，目前正在努力学习中。 随着年龄的增长与眼见的提高对于国画的了解也越来越深咯！
中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它植根于华夏浓厚的文化沃土之中，跨越不同的时空，经历萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。
我很喜欢中国画，应为它总蕴含着淡淡的意境令人百看不厌。它的“抒情”不是直接抒发出来或直接呐喊出来的，是通过“景”间接暗示出来的，所以它的形象性特别强，让人回味无穷。
中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它是以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它是中国艺术的典型代表，是一种精神性、哲学性很强的艺术。中国画是建立在艺术想象基础上的一种艺术创造，通过虚实相生、书印结合，进行意象造型，美学追求，从而展示了中国画独特的艺术境界。
一、欣赏中国画要看气韵
所谓“气”指先天的气质，秉性。气质，系指创作者本人主观能动性与创作个性的充分发挥。 “韵”指发而为画的笔墨情韵。金丹元教授曾把中国艺术思维气质概括为雅、游、和三种形式，这三种思维气质完美融合是一种艺术形式，也就是指人的精神与人格修养。新儒学学者徐复观在他的《中国艺术精神》中说过:中国的绘画，是要把自然物的形象得成为神、灵、玄。通过某种形象而将其画了出来，达到最高的画境，以自己的精神为创造对象传承中国画的精神。
谢赫在《古画品录》中言术“六法”时，首先提出“气韵生动”之后，接着说“骨法用笔是也”。很明显，谢赫将“骨法用笔”列为“六法”中第二大法，这一方面说明气韵与笔墨的重要关系，气韵全由笔墨而生，舍笔墨无从谈气韵。中国绘画的用笔用墨，历代画家、理论家都做过详细而精辟的论述。孟子说：“吾养吾浩然之气”。气韵不能师授，人品胸襟都可以修养，后天的补养修炼有与扩充先天气度的不足。董其昌也说：“气韵不可学，此知而知之，自有之授。”郭若虚将人品视为绘画的必要前提，所谓“气韵”是人的个性在整个心性流露出来的，本自心源，必在生之，故不可以巧密得，复不可以岁月到，默契神会，不期然而然。文如其人，画如其画，石涛曰：“作书作画，无论老手后学，先以气胜之者，精神灿烂，出之纸上。”元代杨维桢指出：“故论画之高下者，有传形，有传神，传神者，气韵生动是也。”清代唐岱谈到：“六法原以气韵为先，然有气则有韵，无气则呆板矣。”清方薰则说：“气韵生动，须将生动二字省悟，才会生动，则气韵自在。”由于历代艺术家的分析，总之，气韵生动成了绘画的首宗要义，成为画家 在创作中追求的最高目标，也成为欣赏中国画的主要准则。
二、欣赏中国画看神韵
文人画家首先是画家，以画为乐，其次是文人。董其昌因博学多闻形成自家风范，把绘画的功能用意趣表达，与画工画区别日益明显，尤其是北宋中期文人画成熟后区别更为突出。郭若虚秉承文人画的创作理念，视六法为品赏准则，尤其着重气韵。纵观唐及宋的绘画，宫廷画家，民间画工不乏传世名作，他们看重绘画的基本功训练，以画为业，风格工谨细致，状物自然生动。
大家都知道被称中国十大传世名画之一的《富春山居》是元朝黄公望七十九岁高龄创作的作品，全图用墨淡雅，山水的布置疏密得当，墨色浓淡，干湿并用，笔势雄伟，充分体现出“寄兴于画”的思想和浑厚华滋的笔墨效果，既形象地再现了山水的秀丽外貌，又把其本质美的特征挥洒得淋漓尽致。展开这幅传世名画，呈现在我们面前的是富春江一带秋出景色，丘陵起伏，峰回路转，江流沃土，云烟掩映村舍，近树苍苍，疏密有致，人物飞禽，生动适度。正是景随人迁，人随景移，这幅山水画布局由平面向纵深展宽，空间显得极其自然，使人感到真实和亲切，具有“清水出芙蓉，天然去雕饰＂之妙，集中显示出画的神韵和画家的心灵境界，被后世誉为“画中之兰亭”。正如齐白石说：“绘画的神韵妙在似与不似之间，太似则媚俗，不似则欺世”。
三、欣赏中国画看笔墨
中国画以墨为主，以色为辅，是其基本特点，笔墨二字几乎成了中国画的代名词，是点、线与水墨的协奏。墨分五色，释为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨，五大色阶，并由五种色阶之间形成的无数细微的渐变。唐代张彦远在论墨时说：“草木敷荣，不待丹绿而采，云雪飘扬，不待铅粉而白，山不待空青而翠，风不待五色而卒。是故韵墨而五色俱，谓之得意。意在五色，则物象乖矣。”说明墨不仅能决定形象，分出明暗，拉开距离，代替色彩，还能制造画面的氛围。中国画家深谙绘画要旨，认为画面太枯则有燥气、画面太湿则无生气，墨无变化则僵滞死板。因而数块浓墨必以湿墨润之；一块湿墨必以枯墨提醒。观其面目时往往尚未看清具象形态，就已被画面笔墨中溢出的抽象意韵所感染。在品赏中国画时，看运笔所表现出的一种内在节律，情感起伏，通过气与力的统一变化而形成用笔的韵律感和节奏感，亦是画家心弦的拨动。笔力、笔气、笔韵是有机的统一，以气统力、统韵、以韵助气，助势、三者结合，方称上佳的用笔。
中国画以线条构成，我们绘画的祖先认为，以点作画易于散，碎，以画作画易于模糊、平板、用线最易扑捉于物体的形象及动感，最适合发挥毛笔水墨、宣纸绢帛的特性。可以说线条是中国画家的艺术语言。绘画的线条具有生命力，千百年来，中国艺术家伏案笔耕，利用不同的笔法书写着粗细、曲直、刚柔、干涩、虚实、顺逆、繁简等不同质地、不同感觉的
线条，并用这些含情线条的渐变，排列、组合、交搭、分割、呼应，在画上构成造型的诸多形式。抑扬顿挫、疏密粗细、快慢虚实、浓淡干湿变化、正如古人说的好，“干裂秋风，润含春雨，”这些无不显现着画家的才思、意韵功底。
中国绘画以其独特的造型语言，鲜明的表现形式，原质的文化意味，积淀着中华文明璀璨的文化资源。其特有的哲学理念、美学意韵、文化精神所搭建构筑的精神高地。挖掘其更深远意义的艺术精品。
篇三：中国画线条的艺术魅力毕业论文(正文)
中国画线条的艺术魅力
摘要
线条作为中国画重要的艺术语言，是画家表达物象、抒发情感的基本段，线条也蕴含着深刻的中国传统文化的哲理内涵，又有极强的装饰性，它充分体现了中国特色的美学境界。长期的艺术实践，使线条形式变得极为丰富，产生了感人至深的艺术魅力。 关键词：中国画线条艺术魅力，艺术特征
Chinese painting lines as a major language of art, the artist's expression phenomena, the basic expression of emotion, Lines also have profound traditional Chinese culture philosophical connotations, with a strong decorative, It fully reflects the characteristics of the Chinese aesthetic realm. Long-term arts practice, the form lines become very rich, have emotional artistic charm. Abstract Keywords：Chinese painting lines artistic charm, arts features
引言
中国画线条有立象传神和抒情达意之功能，也有相对独立的笔墨情趣之美，它体现中国画与其他画种的审美差异，中国画线的本身意义还在于它所独有的直观美感、哲理内涵、抒情意味和装饰风格。中国画之线是我们民族传统的瑰宝，我们有责任去认识、继承和发展这一优秀传统，系统地从线条的发生、发展艺术的发生发展去深入研究推动线条的不断发展传其艺术魅力。并不断吸取中外绘画和各种艺术门类的精华，创造出更多有时代特色的笔墨和艺术精品。
一 线条的形成和发展
线条是中国绘画的主要造型特征之一，有强烈民族特色和形式美感，是一种富于东方艺术特色的表现形式，是博大精神的中华文明的伟大创造，艺术家注重线的传统艺术底蕴，讲究线的质地力度、内涵、等深层美感的表现，把主观感受及精神情感注入线的表现之中，线在中国画中已超出了简单的造型功能，它渗透着历代画家的情感，是艺术家个性的显现，是情、境、意的有机结合。
纵观线条发展脉络，它是历代画家在探索以线造型的过程中形成和发展的线条的阶段，以“法”作为线条成熟的标志进行研究，对线的认识大致可分为以下三个阶段：
(一)线条的初级阶段
人类起初不约而同的选择用线条作为表现客观物象的手段，中国的象形文字，彩陶绘画可以为证，战国以前的线条“划”和“刻”是主要的表现手段，还没有“写”“画”的概念，当时人们比较注重客观物象化的临摹而不是太讲究线条的技巧，这段时期为线条的萌芽状态的朴拙阶段。
毛笔的使用使线条有了质的飞跃。从西汉马王堆一号汉幕出土的帛画上规整劲利的用线可以看出线的勾描已完全成熟有粗细浓淡虚实各种变化。线条的内涵也不断丰富。虽构图讲究对称均衡，未脱离图案意味，但流畅的线条开始体现所用线条流利挺拔随意率真，一种对力的追求。
(二) 线条的发展阶段
随着书写的增多，前人以均衡匀称为美的线条观念向颇带剑拔弩张的尚力之势突变。卫夫人提出“多力丰筋者圣”强调线条力度的美。顾恺之提出“传神写照正在阿睹中”，意味着绘画脱离古拙简略阶段上升至精深描绘阶段，晋代绘画线条的表现力更丰富、精密。到唐代绘画追求人物画的韵味，对线条强调笔“势”。在当时脍炙人口的“吴带当风，曹衣出水”的绘画里，其线条自由婉转而有节奏感的质感、运动感也都得到了更充分的体现。这些线条讲究取势，各种形式的线条都统一于一定的严谨的法度组成完整生动的画面，极富韵味。
（三） 线条的成熟阶段
“无法”指线条的解放与发展，强化它的玩赏意趣和主观情感的抒发。绘画发展到宋代，逐步形成了细/粗笔两大派，北宋画家李公麟在吸收晋唐传统技法基础上，把方折挺劲的线描有机结合进去，使单线白描表现力更丰富，并成为中国绘画的一个独立画种。反映自然美的作品增多，山水画尤为突出，五代荆浩由勾线染色演变为“皴法”，它的《匡庐图》通过笔墨运动，不必刻意追求客体形状，如书法般进入“写”的创作意境，自然表现胸中丘壑，形成了与往昔风格迥异的艺术语言。元人绘画着重表现心灵，用笔风流倜傥，
将笔墨的变化推向极致。因造型手法的符号化，笔墨的表现也更为“尚意”而轻松，线条应用在文人画中得到进一步的纯化。
明清之际，线条的自由发展进入一个令人耳目一新的阶段。石涛提出“无法而法，乃为至法”，指出了用笔要达到自由与法则的统一。近代的吴昌硕、齐白石、潘天寿、李可染等都是以书入画的佼佼者，他们在线的运用方面无疑是个空前的解放和自由时期，呈现出丰富多彩的局面，“无法”是对“法”的以娴熟掌握后的“有法”的解放而已。
二 线条的艺术特征
线是中国画的基本表达方式，中国画是线条韵律的乐章，富于节奏和装饰，具有一种流动的、富有气韵和表现力的美，既状物又抒情。
（1） 线的直观美感
画面的组合全靠韵律。运笔过程就像音乐演奏一样，“疾而不速”“留而不滞”，既富韵律美。书画中的“行中有留”“屋漏痕”式的线条，“行留”辩证的结合贯穿于画面。国画流动的笔锋，走势成龙。其运动是符合美的规律的，笔势是线条语汇的基调，是组合线条的潜在基础，有其多变性。顾恺之的“高古游丝描”，线条流畅、紧劲连绵、行笔迅捷，展现出的是如歌如梦般的线条的律动，是线的表现功能于主观创造意念融为一体，成功创造出“密体”。吴道子进一步发展了线的表现力，其笔法流畅洗练，注重表现运动感、节奏感，风格大气磅礴，有“天衣飞扬、满壁风动”之势，线条所特有的韵律美得到充分体现。
（2） 线的抒情意味
达芬奇说过“最初的画，只有一条线”。线是人们最初表达某种思想的一种方式，20世纪瑞士画家克利说“用一根线条去散步”，说明线是生命的，不仅表现形体且是画家的自我，是客观与主观的巧妙结合，是画家内心情感的折射。先是艺术家心灵的琴弦，感情地震波，有强烈的抒情性和感染力。一件真正的艺术品不仅有造型上的美，还需有一定的感情容量，富有情趣的线条是对作者某种情绪、感受的特别纪录，作者的感情一直和笔力融合在一起，画迹就是情感活动的时序性遗迹。同样是以书入画的近代画家，吴昌硕用金石般的线条表现作品的力度美，潘天寿以富有哲理的线条表现画面的静气，而黄宾虹以乱中求奇的线条写出山水画的浑厚志气。南宋梁楷《太白行吟图》，衣褶只是大笔挥洒几下，简之无可再简，而大诗人满怀事情的姿态及高洁简傲的气质勾画的惟妙惟肖，这洗炼简约的线条，即使画家笔力的表现，又是画家激情的宣泄。可见，线不仅是轮廓和空间，是自然和可观，而且使主观和客观的巧妙结合，是画家感受的反映，情感的表达，心灵的倾诉
（3） 线的装饰风格
中国画线的装饰性的最大特征是超越自然、强调表现，重意象、重“似与不似”。战国楚墓出土的帛画《人物御龙图》，描绘了龙引导墓主人灵魂升天的五个形象，这些形象是客观物象的变形、夸张，是经过艺术家的概括、提炼、抽象出来的形象，是更典型、更具形式感、更有装饰意味形象。当看到《清明上河图》那众多的人物，繁杂的结构，壮观的场面，博大的气势，这正是用繁而不乱，疏密相间，错落有致的有浓郁装饰意味的线条而营造的。再如：“传统十八描”利用线的抑扬、顿挫、翻转起伏等变化获得节奏和韵律的装饰美。像“连珠描”其形象就似二方连续纹样，形成宽窄相连，无限连绵的极富节奏的装饰效果；“射线描”类似工艺图案中放射性图案一样，有绚丽奇幻的美感，其装饰特征就不言自明了。因而说，中国画的线的装饰性是强烈的、明显的，包含在每笔每划的线
条中。
（4） 线的哲理内涵
中国画线条的哲理意味首先表现在中国画中的线与气的一脉相承。如果没有“气”线条就没有生命力。刘勰提出“写气图貌”，就是说艺术作品不仅要描绘各种物象，且要灌注作为宇宙事物的本体和生命的“气”。由于“气”和“理”的结合，才使线条有了韵味，落实到书画用笔中就有了行留、逆露、刚柔、虚实等，才有了启示。在笔与力的结合中，十分注意运气，要“握笔既定、凝神息气”。一气合成，线条运用的成功首先在于和“气”的结合，“气”造就线条韵味的生成，也造就整个作品的气韵气脉的贯通。其次，中国画线条也有阴阳之说，书画线条本身也应阴阳兼具、辩证得之。刘熙载在《艺概》中说“画有阴阳”，线条讲究刚柔互含互用，互济互成，表现一种丰富的弹力，刚柔美妙的配合。而刚柔、虚实、动静也正是中国哲学探讨中相反相成关系的重要课题。
中国画线条有深刻的哲理意味，其美学意义的发展自然不会脱离中国哲学，且同中国哲学相结合，一步一步走向成熟。
三 线的艺术功能
阐述线在中国画中所起作用的最早论述，当是南朝画家谢赫的“骨法用笔”一说，论述了线条不仅要表现物体的结构、质感，还应体现超越技法之外的东西，如画家的情思、气质、骨气等。北宋郭若虚在《图画见闻志》中指出“画有三病，皆系用笔”，讲出了用笔对画面的重要影响。发挥线条的各种风格，达到不同的艺术效果，实现中国画作品中高的艺术境界，是各种各样线条的艺术功能的体现。可见，运用中国画所特有的艺术内涵，“骨气“气韵”使作品传达出的最高境界，也是国画的笔墨线条能无拘无束发挥其抽象作用的独特的审美价值的特色。
（1）写形传神
中国画的线条与物象内部结构形态有直接联系，同时中国画尚有自成体系的笔墨表现形式，这应就不必为描绘客观形象的功能所限制，可以以艺术化的手段揭示各种物象的性情状态。 线与其塑造的形体之间的关系，主要体现在艺术家与线条自身品格特征的沟通。石涛说：“借笔墨写天地万物而淘泳乎我也”。艺术家用笔中使线条具有千变万化的姿态，使抽象线条成为现实事物形态美的一种间接反映，而引起人们共鸣的艺术作品，也正是艺术家在运笔时个人感情、意趣的灌注，使线条产生了鲜明的个性特征，达到写意、抒情、畅神，进而表现人的审美心灵、人格、气质。中国画用线作为艺术表现的手段，线的语言在国画中远远超出了造型本身，还担负了写形和传神的重任，无形则神亡，无神形亦不能活。因为线的表现力直接体现在物象的结构中，因此形与神的关系自然孕育其中。
（2）审美价值
中国画的线是有效传达作者情感的外在形式，它侧重于自身变化的美感韵味，负载和蕴含着古典美的文化基因，线的表现体现在笔法变化上，笔法的不同表现构成国画特有的形式美感，使线具有了独立于物象之外审美价值。
首先，线条本身有一定的性格特征：如直线的挺拔、结实、静穆之美，曲线有流畅、柔和、抒情的动感；线的粗细有轻重的份量感；线的疏密交织产生韵律美。
其次，线的意趣和韵味可在运笔的轻重徐疾中表现的淋漓尽致，行笔过程中的顿挫抑扬能表现出线的神采气势，线的连绵是画家情感的自然流露。
再次，线条的质感与用墨密切相关。用墨淡而润，可以造成一种明丽柔媚之美；用墨浓而枯可以产生苍劲浑厚之美；用墨枯润相兼，可以形成刚柔相济的气韵美。
总论
综上所述，线是中国画造型的主要表现手段，是探索中国画艺术风格的基础。国画线条作为艺术形式美对艺术创作起重大作用，十分显著地表现了民族的绘画特点和审美意识的特征。现代艺术观念一赋予线条更多的美感和当代感，当代画家将以更多的热情和思考关注线条及其所构成的视觉图式，在中国画用线的基础上进行创新，回归心灵，借助古人的样式，现代人的眼光，学会用线条意识去审视世界并赋予线条新的生命，才能激活我们潜在创造力，把“线”在绘画造型中的作用提升到一个更高的审美价值上去，那么线条将焕发出具有时代特点的艺术魅力。